Aníbal Vallejo nación en Medellín en 1975. Foto por Juan Carlos Sierra.

“Soy artista y eso es, de por sí, ser optimista”

Aníbal Vallejo inaugura el espacio Aurora, en la calle 77 #12-03, con su más reciente exposición Entretiempos, que recorre su trayectoria. Habló con 'Arcadia' sobre su obra y sus intereses como artista.

2016/08/18

Por Sergio Rodríguez

Usted estudió artes pero también diseño de modas, ¿por qué tenía ese interés?

A mí me atrajo de la moda que los procesos que se usan en al diseñar son muy similares a los de las artes visuales. Es decir, buscar un concepto o una idea, buscar los materiales adecuados y después convertirlo en el objeto que uno está buscando. Yo estaba saturado en la universidad, sentía que me faltaba algo dentro de lo tradicional. Siempre quise ser pintor, siempre me he sentido pintor y quería buscar cosas que pudiera anexar a mi trabajo, que lo pudieran enriquecer. La moda me había llamado la atención siempre y por eso pasé a estudiar diseño, como complemento de mi pintura, más no para ser diseñador. Yo no soy diseñador, no me siento diseñador y nunca pretendí serlo.

¿Cómo se conjugan ambos elementos en su obra?

Me demoré muchísimos años empezando a meter el hilo. El bordado se dio en esa búsqueda de cosas distintas, fuera del mundo de la pintura tradicional. Mi interés inicial fueron las telas. El soporte de la pintura siempre es una tela, un lienzo que se pone sobre un bastidor, se templa. Empecé a reemplazar ese lienzo con telas de confección para intentar combinarlas e incluirlas dentro de la composición de la pintura. Me demoré como cinco u ocho años para comenzar a coser, a bordar, a clavar la aguja. El hilo es un elemento plástico y es tan válido como una pincelada o como un trazo de lápiz.

Obra de Aníbal Vallejo

¿De qué habla su pintura?

Mi trabajo es básicamente investigativo, ahí retomo cosas de la literatura, de lo cotidiano, de la vida diaria, de mis experiencias personales, como excusa para materializar cosas. Lo que realmente hago son investigaciones de temas que me interesan e intento traducirlos a imágenes. Por ejemplo, a veces una obra puede parecer inconclusa en apariencia porque cuando dejo la tela cruda parece que está sin terminar pero es el punto en el que ya encontré lo que estaba buscando y ya quiero saltar a la que sigue. Me interesa que se vea la belleza del soporte, me parece que es importante que dialogue con lo que está encima. En la pintura siempre se tapa, se cubre con un imprimante y se tapa la belleza del material.

En su obra figurativa no hay rostros definidos, se ven más boceteados...

Cuando mi pintura era figurativa hacía retratos de mujeres, de odaliscas y de niños y no quería que la atención se centrara sobre un rostro. Es evitar una lectura fácil de la pintura, a veces es muy cómodo llegar, pararse frente a una obra y decir está muy bien pintada, está bien proporcionada, tiene una buena composición y quedarse en esa lectura primaria. La pintura es más compleja. Creo que tiene distintos niveles de lectura, entonces eso es lo que te deja la duda y te lleva a buscar algo más, a pensar que detrás hay una idea, un concepto o una historia que contar.

¿Qué lecturas espera que se hagan de sus obras?

Por ejemplo, en "Figura cayendo" aunque es una obra figurativa está hablando de heterotopías, un concepto de Michel Foucault sobre realidades paralelas y utópicas. Pienso que es improbable que alguien relacione eso con una heterotopía, que yo tengo muy clara. Alguien pensaría que es una pintura muy loca que poco tiene que ver con la realidad y en el fondo tiene un poco de razón.

En su obra se ve la influencia de artistas como Mondrian, Rothko, Bacon, Manet ¿cómo se relaciona con ellos?

Son demasiadas referencias que a veces quedan muy evidentes y está muy bien, me encanta porque pienso que el arte no es ponerse uno a inventar algo que no esté sino de intentar, de pronto, dialogar con ellos. Cuando tomo un pintor de referencia lo que hago es entablar un diálogo con él. Entonces si tengo unas piscinas de Hockney, que quede muy claro que es Hockney pero yo estoy conversando con él a mi manera.

¿Por qué ese paso de la figuración a la abstracción?

Pienso que es un proceso normal de depuración, de quitar lo que va sobrando. Esas figuras reconocibles empezaban a estar de más y era más relevante el fragmento de una obra figurativa. ¿Por qué ese fragmento no funcionaría como obra sola? Comencé a abstraer cosas, a eliminar lo que era superficial. Ahora, no veo una diferencia entre la abstracción y la figuración, es volver a lo básico. Cuando hice ese cambio y comencé a quitar lo superfluo empecé a plantear qué es la pintura, cómo se pinta. Y llego a resolver problemas tan simples como cómo funciona un color al lado del otro, eso es básico, pero eso define una pintura. Empecé a cambiar una figura de una mujer por un cuadrado, un rectángulo, un hexágono y empecé a jugar con eso.

Obra de Aníbal Vallejo

¿Por qué figuras geométricas y no manchas?

Pienso que está muy ligado a la personalidad y el carácter. Soy, sin ser cuadriculado y sin ser absolutamente rígido, muy disciplinado y de mucho orden. Me gusta ver la limpieza en el orden, me da mucha tranquilidad. Me encanta la pintura expresionista, esos manchones de Willem de Kooning o de cualquiera de estos expresionistas magníficos me encantan, pero yo no soy capaz de hacerlo. Incluso en la pintura más caótica y abstracta que uno pueda ver esas manchas tienen un sentido y eso es lo que le da esa coherencia a la obra, pero a mí no me sale, creo que porque soy muy matemático, muy organizado, muy de pulcritud limpieza, que es lo que me interesa en el arte. Quisiera ser un poco más expresionista pero no me da.

El hilo, como elemento plástico, ¿qué le aporta a su pintura?

Es una manera de abordar la línea, es una manera de dibujar de otra forma y es esa plasticidad y esa tridimensionalidad que tiene el hilo que me llevó a asumirlo como un elemento plástico. Es algo muy personal, está ligado a mi interés por buscar materiales, por reemplazar esa línea del lápiz. Sí le aporta cierta profundidad, pero en esencia es buscar otro camino, otra forma de decir lo que quiero.

¿De qué forma ha influenciado la obra de Fernando Vallejo, su tío, a su pintura?

Como cualquier escritor. A mí me encanta la obra de Fernando, puede sonar un poco impúdico por lo que somos familia. Yo conozco el lado familiar de él, pero a mí me gusta mucho su obra. Cualquier cosa que me llame la atención o me parezca valioso entra en mi pintura de una manera evidente o no tanto. Apruebo mucho las cosas que dice Fernando, con la diferencia que yo soy un optimista. Pero reconozco que tiene razón en gran parte de las cosas que dice y a veces dice cosas molestas pero necesarias para que haya un impacto y haya un mensaje. Coincido mucho con él pero desde una mirada muy optimista. 

Su obra se siente muy vital, sin un halo lúgubre

Es muy curioso, si por mi fuera haría solamente pinturas negras. Pero en el camino van surgiendo los colores. Creo que hay una cosa fuerte de subconsciente, independiente de la investigación y el rigor de la creación, que es necesaria. El arte no se hace por una musa que llega y uno está inspirado y comienza a trabajar, es de disciplina y de constancia. Pero mis primeras ideas, siempre, antes de partir son en negro, en grises y en blancos. Son muy lúgubres, pero en el camino van adquiriendo esa forma que ves. Creo que el color lo tengo adentro, viene desde muy dentro y vuelve y sale cada vez. 

Soy un artista y ser artista es ya, de por sí, ser optimista. Es una locura en un mundo como este ser artista.

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