• 'Zero to Infinity in Venice' Rasheed Araeen (2016-2017). Araeen invita al espectador a entrar en contacto con la instalación, reorganizar los  cubos de colores y crear una variedad de combinaciones. Detrás de esta idea de interactividad, está la intención del artista de eliminar una construcción estática y simétrica.
    'Zero to Infinity in Venice' Rasheed Araeen (2016-2017). Araeen invita al espectador a entrar en contacto con la instalación, reorganizar los cubos de colores y crear una variedad de combinaciones. Detrás de esta idea de interactividad, está la intención del artista de eliminar una construcción estática y simétrica.
  • 'Bread Encyclopedia' Maria Lai (1919-2013). Las obras de Lai en el Arsenal son una especie de resumen de miles de años de tradición, poesía, cultura, artes textiles y artesanías de la Cerdeña, su tierra natal. Los libros, hechos de pan, re-contextualizan materiales cotidianos.
    'Bread Encyclopedia' Maria Lai (1919-2013). Las obras de Lai en el Arsenal son una especie de resumen de miles de años de tradición, poesía, cultura, artes textiles y artesanías de la Cerdeña, su tierra natal. Los libros, hechos de pan, re-contextualizan materiales cotidianos.
  • 'Varias obras' Maria Lai (1919-2013). Cada hilo en las obras de Lai simboliza la posibilidad de explorar un espacio (una aguja perfora un trozo de tela, pasa a través de él, viaja sobre él). Las palabras sobre la tela son ininteligibles para quienes saben leer y escribir. En cambio, podrían ser perfectamente entendidos por aquellas mujeres "iletradas", pero que utilizan el lenguaje del bordado para expresar sus pensamientos, sentimientos e historias.
    'Varias obras' Maria Lai (1919-2013). Cada hilo en las obras de Lai simboliza la posibilidad de explorar un espacio (una aguja perfora un trozo de tela, pasa a través de él, viaja sobre él). Las palabras sobre la tela son ininteligibles para quienes saben leer y escribir. En cambio, podrían ser perfectamente entendidos por aquellas mujeres "iletradas", pero que utilizan el lenguaje del bordado para expresar sus pensamientos, sentimientos e historias.
  • 'A stitch in time' David Medalla (1968-2017). Originalmente creado en 1968 como una instalación de bordado, en este proyecto participativo la audiencia contribuye a crear un tapiz para construir una experiencia compartida.
    'A stitch in time' David Medalla (1968-2017). Originalmente creado en 1968 como una instalación de bordado, en este proyecto participativo la audiencia contribuye a crear un tapiz para construir una experiencia compartida.
  • 'Common Places' Martin Cordiano 2017. Esta obra quiere cambiar la forma de pensar el espacio. El arte funciona como un lugar -un lugar común- en el que lo ordinario se transforma para reflexionar sobre las formas y condiciones de nuestra existencia.
    'Common Places' Martin Cordiano 2017. Esta obra quiere cambiar la forma de pensar el espacio. El arte funciona como un lugar -un lugar común- en el que lo ordinario se transforma para reflexionar sobre las formas y condiciones de nuestra existencia.
  • 'Common Places' Martin Cordiano 2017. Esta obra quiere cambiar la forma de pensar el espacio. El arte funciona como un lugar -un lugar común- en el que lo ordinario se transforma para reflexionar sobre las formas y condiciones de nuestra existencia.
    'Common Places' Martin Cordiano 2017. Esta obra quiere cambiar la forma de pensar el espacio. El arte funciona como un lugar -un lugar común- en el que lo ordinario se transforma para reflexionar sobre las formas y condiciones de nuestra existencia.
  • 'Sharpening a MacBook Air' Shimabuku (2015). En todas sus obras, Shimabuku comienza por observar las rarezas, placeres mundanos y sinsabores de la vida moderna, que luego traduce en obras interactivas con un peculiar humor. En el video de esta instalación se le ve limando a mano el borde de un computador portátil contra una piedra hasta que este se convierte en un cuchillo. Por último, el artista utiliza el computador, irónicamente, para cortar una manzana por la mitad, tal como habría hecho con un hacha o roca en la edad de piedra.
    'Sharpening a MacBook Air' Shimabuku (2015). En todas sus obras, Shimabuku comienza por observar las rarezas, placeres mundanos y sinsabores de la vida moderna, que luego traduce en obras interactivas con un peculiar humor. En el video de esta instalación se le ve limando a mano el borde de un computador portátil contra una piedra hasta que este se convierte en un cuchillo. Por último, el artista utiliza el computador, irónicamente, para cortar una manzana por la mitad, tal como habría hecho con un hacha o roca en la edad de piedra.
  • 'Oldest and Newest Tools of Human Beings' Shimabuko (2015). El artista japonés expone la forma en que se interactúa con los dispositivos electrónicos y se burla de su evolución. Hace referencia al futuro, no tan lejano, que les espera a estos dispositivos, con una vida útil corta. Probablemente terminarán acumulados en un basurero de África o Asia. Los residuos electrónicos representan el 70 % de residuos tóxicos a nivel mundial.
    'Oldest and Newest Tools of Human Beings' Shimabuko (2015). El artista japonés expone la forma en que se interactúa con los dispositivos electrónicos y se burla de su evolución. Hace referencia al futuro, no tan lejano, que les espera a estos dispositivos, con una vida útil corta. Probablemente terminarán acumulados en un basurero de África o Asia. Los residuos electrónicos representan el 70 % de residuos tóxicos a nivel mundial.
  • 'Oldest and Newest Tools of Human Beings' Shimabuko (2015). El artista japonés expone la forma en que se interactúa con los dispositivos electrónicos y se burla de su evolución. Hace referencia al futuro, no tan lejano, que les espera a estos dispositivos, con una vida útil corta. Probablemente terminarán acumulados en un basurero de África o Asia. Los residuos electrónicos representan el 70 % de residuos tóxicos a nivel mundial.
    'Oldest and Newest Tools of Human Beings' Shimabuko (2015). El artista japonés expone la forma en que se interactúa con los dispositivos electrónicos y se burla de su evolución. Hace referencia al futuro, no tan lejano, que les espera a estos dispositivos, con una vida útil corta. Probablemente terminarán acumulados en un basurero de África o Asia. Los residuos electrónicos representan el 70 % de residuos tóxicos a nivel mundial.
  • 'Wallformation' Franz Erhard Walther (1983-1986).  El alemán Franz Erhard se llevó el León de Oro de este año por su vibrante instalación textil en el Arsenale. La serie “Wallformation" nace en los años ochenta como una obra interactiva. Erhard busca mostrar la costura como medio de expresión, construyendo estructuras con tela. Sus trabajos consisten en objetos de lona que se pueden plegar, abrir y habitar.
    'Wallformation' Franz Erhard Walther (1983-1986). El alemán Franz Erhard se llevó el León de Oro de este año por su vibrante instalación textil en el Arsenale. La serie “Wallformation" nace en los años ochenta como una obra interactiva. Erhard busca mostrar la costura como medio de expresión, construyendo estructuras con tela. Sus trabajos consisten en objetos de lona que se pueden plegar, abrir y habitar.
  • 'Acqua Alta' Michel Blazy (2017). Con esta obra, Blazy señala esta reflexión: aquí hay una pila de hojas -impresas con imágenes tomadas de Instagram- sometida a la acción de una gota de agua que cae del techo en intervalos regulares. Eso la transforma en un paisaje inesperado, gradualmente irreconocibles por los procesos de corrosión inducida. Es el encuentro entre artificio y naturaleza, los productos de consumo con los ciclos biológicos naturales, la naturaleza y la cultura.
    'Acqua Alta' Michel Blazy (2017). Con esta obra, Blazy señala esta reflexión: aquí hay una pila de hojas -impresas con imágenes tomadas de Instagram- sometida a la acción de una gota de agua que cae del techo en intervalos regulares. Eso la transforma en un paisaje inesperado, gradualmente irreconocibles por los procesos de corrosión inducida. Es el encuentro entre artificio y naturaleza, los productos de consumo con los ciclos biológicos naturales, la naturaleza y la cultura.
  • 'The Red Rubber' Thu Van Tran (2017). Inspirada en la literatura, la historia, la arquitectura y la naturaleza, la artista plantea preguntas sobre el material de su obra, el caucho, desde el punto de vista histórico. El árbol de caucho simboliza la conquista colonial y el abuso de poder.
    'The Red Rubber' Thu Van Tran (2017). Inspirada en la literatura, la historia, la arquitectura y la naturaleza, la artista plantea preguntas sobre el material de su obra, el caucho, desde el punto de vista histórico. El árbol de caucho simboliza la conquista colonial y el abuso de poder.
  • 'Of walking in unknown' Koki Tanaka (2017). El artista documentó cuatro días de caminata desde su casa en Kyoto hasta la planta nuclear más cercana. Esta obra es la continuación de "9478.57", expuesta en el pabellón japonés de la bienal en 2013. Su decisión al emprender esta caminata no se limita al objetivo artístico, es decir, la traducción de la distancia, y la experiencia física, en obra;  también quiere insinuar que vivimos en un mundo en que un nuevo desastre causado por el hombre puede suceder en cualquier momento.
    'Of walking in unknown' Koki Tanaka (2017). El artista documentó cuatro días de caminata desde su casa en Kyoto hasta la planta nuclear más cercana. Esta obra es la continuación de "9478.57", expuesta en el pabellón japonés de la bienal en 2013. Su decisión al emprender esta caminata no se limita al objetivo artístico, es decir, la traducción de la distancia, y la experiencia física, en obra; también quiere insinuar que vivimos en un mundo en que un nuevo desastre causado por el hombre puede suceder en cualquier momento.
  • 'Of walking in unknown' Koki Tanaka (2017). El artista documentó cuatro días de caminata desde su casa en Kyoto hasta la planta nuclear más cercana. Esta obra es la continuación de "9478.57", expuesta en el pabellón japonés de la bienal en 2013. Su decisión al emprender esta caminata no se limita al objetivo artístico, es decir, la traducción de la distancia, y la experiencia física, en obra;  también quiere insinuar que vivimos en un mundo en que un nuevo desastre causado por el hombre puede suceder en cualquier momento.
    'Of walking in unknown' Koki Tanaka (2017). El artista documentó cuatro días de caminata desde su casa en Kyoto hasta la planta nuclear más cercana. Esta obra es la continuación de "9478.57", expuesta en el pabellón japonés de la bienal en 2013. Su decisión al emprender esta caminata no se limita al objetivo artístico, es decir, la traducción de la distancia, y la experiencia física, en obra; también quiere insinuar que vivimos en un mundo en que un nuevo desastre causado por el hombre puede suceder en cualquier momento.
  • 'Janas Code' Michele Ciacciofera (2016-2017). El artista italiano expone un conjunto de objetos sobre tablas, colgados en la pared: un panal rociado con brillo, cerámicas, textiles y dibujos. La intención fue invocar los artículos funerarios que se clavaban en las rocas en el periodo Neolítico en Cerdeña.
    'Janas Code' Michele Ciacciofera (2016-2017). El artista italiano expone un conjunto de objetos sobre tablas, colgados en la pared: un panal rociado con brillo, cerámicas, textiles y dibujos. La intención fue invocar los artículos funerarios que se clavaban en las rocas en el periodo Neolítico en Cerdeña.
  • 'Janas Code' Michele Ciacciofera (2016-2017). El artista italiano expone un conjunto de objetos sobre tablas, colgados en la pared: un panal rociado con brillo, cerámicas, textiles y dibujos. La intención fue invocar los artículos funerarios que se clavaban en las rocas en el periodo Neolítico en Cerdeña.
    'Janas Code' Michele Ciacciofera (2016-2017). El artista italiano expone un conjunto de objetos sobre tablas, colgados en la pared: un panal rociado con brillo, cerámicas, textiles y dibujos. La intención fue invocar los artículos funerarios que se clavaban en las rocas en el periodo Neolítico en Cerdeña.
  • 'Good Intentions' Irina Korina (2017). En un ambiente que reúne arreglos florales, banderas e iluminación LED, Korina trae a Venecia un poco de Moscú. La obra está rodeada de columnas de ladrillo estilo Kremlin y está marcada por el simbolismo de la nueva ideología militar de Rusia. El trabajo fue producido en Moscú, en colaboración con el Museo de Arte Contemporáneo Garage, y llegó a Venecia en varias piezas que fueron ensambladas en Arsenale.
    'Good Intentions' Irina Korina (2017). En un ambiente que reúne arreglos florales, banderas e iluminación LED, Korina trae a Venecia un poco de Moscú. La obra está rodeada de columnas de ladrillo estilo Kremlin y está marcada por el simbolismo de la nueva ideología militar de Rusia. El trabajo fue producido en Moscú, en colaboración con el Museo de Arte Contemporáneo Garage, y llegó a Venecia en varias piezas que fueron ensambladas en Arsenale.
  • '...then we raised the terrain so that I could see out.'  Leonor Antunes (2017). La instalación de Antunes integra realmente a la locación. Con delicados tapices y lámparas que cuelgan del techo, hechos de vidrio en talleres de Murano, obliga a los espectadores a detenerse.
    '...then we raised the terrain so that I could see out.' Leonor Antunes (2017). La instalación de Antunes integra realmente a la locación. Con delicados tapices y lámparas que cuelgan del techo, hechos de vidrio en talleres de Murano, obliga a los espectadores a detenerse.
  • 'Varias Obras' Hao Liang. El artista chino se basa en las técnicas tradicionales de la pintura de tinta sobre seda. Entre estos trabajos está "Ocho vistas de Xiaoxiang", que muestra cómo Liang busca revitalizar la convención china de presentar paisajes pictóricos y literarios que reflejan el alma del pintor.
    'Varias Obras' Hao Liang. El artista chino se basa en las técnicas tradicionales de la pintura de tinta sobre seda. Entre estos trabajos está "Ocho vistas de Xiaoxiang", que muestra cómo Liang busca revitalizar la convención china de presentar paisajes pictóricos y literarios que reflejan el alma del pintor.
  • 'Translated Vase Nine Dragons In Wonderland' Yee Sookyung (2017). Hecha de fragmentos de cerámica rescatados de fábricas en Seúl, la obra de Sookyung utiliza técnicas antiguas y lenguajes contemporáneos. Tradicionalmente la cerámica defectuosa se destruye, pero aquí la artista crea nuevos significados mediante la preservación de los fragmentos. Sookyung es una de las artistas coreanas que, desde la década de los 90, busca mostrar el contraste entre la conservación y la occidentalización, planteando un diálogo entre tradición y experimentación.
    'Translated Vase Nine Dragons In Wonderland' Yee Sookyung (2017). Hecha de fragmentos de cerámica rescatados de fábricas en Seúl, la obra de Sookyung utiliza técnicas antiguas y lenguajes contemporáneos. Tradicionalmente la cerámica defectuosa se destruye, pero aquí la artista crea nuevos significados mediante la preservación de los fragmentos. Sookyung es una de las artistas coreanas que, desde la década de los 90, busca mostrar el contraste entre la conservación y la occidentalización, planteando un diálogo entre tradición y experimentación.
  • 'Translated Vase Nine Dragons In Wonderland' Yee Sookyung (2017). Hecha de fragmentos de cerámica rescatados de fábricas en Seúl, la obra de Sookyung utiliza técnicas antiguas y lenguajes contemporáneos. Tradicionalmente la cerámica defectuosa se destruye, pero aquí la artista crea nuevos significados mediante la preservación de los fragmentos. Sookyung es una de las artistas coreanas que, desde la década de los 90, busca mostrar el contraste entre la conservación y la occidentalización, planteando un diálogo entre tradición y experimentación.
    'Translated Vase Nine Dragons In Wonderland' Yee Sookyung (2017). Hecha de fragmentos de cerámica rescatados de fábricas en Seúl, la obra de Sookyung utiliza técnicas antiguas y lenguajes contemporáneos. Tradicionalmente la cerámica defectuosa se destruye, pero aquí la artista crea nuevos significados mediante la preservación de los fragmentos. Sookyung es una de las artistas coreanas que, desde la década de los 90, busca mostrar el contraste entre la conservación y la occidentalización, planteando un diálogo entre tradición y experimentación.
  • 'Um Sagrado Lugar (A Sacred Place)' Ernesto Neto (2017). Siguiendo el modelo de los espacios ceremoniales de ayahuasca e inspirado por el "Cupixawa" -un lugar de sociabilidad, reuniones políticas y ceremonias espirituales de los indios Kuin Huni-, este espacio está destinado a evocar un sitio sagrado, pero termina siendo una zona de descanso para los turistas.
    'Um Sagrado Lugar (A Sacred Place)' Ernesto Neto (2017). Siguiendo el modelo de los espacios ceremoniales de ayahuasca e inspirado por el "Cupixawa" -un lugar de sociabilidad, reuniones políticas y ceremonias espirituales de los indios Kuin Huni-, este espacio está destinado a evocar un sitio sagrado, pero termina siendo una zona de descanso para los turistas.
  • 'Um Sagrado Lugar (A Sacred Place)' Ernesto Neto (2017). Siguiendo el modelo de los espacios ceremoniales de ayahuasca e inspirado por el "Cupixawa" -un lugar de sociabilidad, reuniones políticas y ceremonias espirituales de los indios Kuin Huni-, este espacio está destinado a evocar un sitio sagrado, pero termina siendo una zona de descanso para los turistas.
    'Um Sagrado Lugar (A Sacred Place)' Ernesto Neto (2017). Siguiendo el modelo de los espacios ceremoniales de ayahuasca e inspirado por el "Cupixawa" -un lugar de sociabilidad, reuniones políticas y ceremonias espirituales de los indios Kuin Huni-, este espacio está destinado a evocar un sitio sagrado, pero termina siendo una zona de descanso para los turistas.
  • 'Varias obras' Huggete Caland (1971 -1985). El arte de Caland es una combinación de influencias libanesas y occidentales donde a veces se filtra el arte pop. Sus obras se centran en piezas minimalistas que giran en torno al cuerpo femenino, la sexualidad, la vida y el placer. Sus prendas surrealistas están cubiertas por bordados que delinean el contorno del cuerpo de una mujer, dos caras que se besan o manos que abrazan; y muestran la dicotomía entre el conservadurismo del Líbano y el mundo occidental.
    'Varias obras' Huggete Caland (1971 -1985). El arte de Caland es una combinación de influencias libanesas y occidentales donde a veces se filtra el arte pop. Sus obras se centran en piezas minimalistas que giran en torno al cuerpo femenino, la sexualidad, la vida y el placer. Sus prendas surrealistas están cubiertas por bordados que delinean el contorno del cuerpo de una mujer, dos caras que se besan o manos que abrazan; y muestran la dicotomía entre el conservadurismo del Líbano y el mundo occidental.
  • 'Presumption Prevails' Karla Black (2017). Esta escultura vertical, hecha para explorarse de abajo hacia arriba, comienza por una capa de talco rosa que gradualmente se degrada en puro blanco sobre una fibra de algodón y lana. Los mismos colores se ven en el celofán que rodea la escultura y los papeles de azúcar que, colgados a diferentes alturas, invitan al espectador a acercarse y detallar las diferentes texturas.
    'Presumption Prevails' Karla Black (2017). Esta escultura vertical, hecha para explorarse de abajo hacia arriba, comienza por una capa de talco rosa que gradualmente se degrada en puro blanco sobre una fibra de algodón y lana. Los mismos colores se ven en el celofán que rodea la escultura y los papeles de azúcar que, colgados a diferentes alturas, invitan al espectador a acercarse y detallar las diferentes texturas.
  • 'Standardization, Variation and the Idiosyncratic' Nancy Shaver (2017). Shaver siempre ha buscado liberar a los objetos de jerarquías, volviéndolos visualmente placenteros, y está particularmente interesada en objetos que son despojados de intenciones en los mercados de pulgas. Es leal a Marcel Duchamp, y tiene una preocupación por el color gracias a artistas como Matisse o a movimientos como el arte pop. El montaje es alegre y hedonista, celebra el valor decorativo del arte.
    'Standardization, Variation and the Idiosyncratic' Nancy Shaver (2017). Shaver siempre ha buscado liberar a los objetos de jerarquías, volviéndolos visualmente placenteros, y está particularmente interesada en objetos que son despojados de intenciones en los mercados de pulgas. Es leal a Marcel Duchamp, y tiene una preocupación por el color gracias a artistas como Matisse o a movimientos como el arte pop. El montaje es alegre y hedonista, celebra el valor decorativo del arte.
  • 'Venice Stream' Takesada Matsutani’s  (2016-17). Matsutani es un miembro destacado de la Gutai Art Association, un colectivo japonés de posguerra que crea performances y arte conceptual. Esta instalación tiene una bolsa de algodón colgada del techo, que gotea tinta Sumi en la tela de abajo. Allí aparece un círculo saturado en el tejido blanco. Su trabajo alude al paso del tiempo.
    'Venice Stream' Takesada Matsutani’s (2016-17). Matsutani es un miembro destacado de la Gutai Art Association, un colectivo japonés de posguerra que crea performances y arte conceptual. Esta instalación tiene una bolsa de algodón colgada del techo, que gotea tinta Sumi en la tela de abajo. Allí aparece un círculo saturado en el tejido blanco. Su trabajo alude al paso del tiempo.
  • 'Square' Liu Jianhua’s  (2014). Grandes gotas doradas en placas de metal desafían el estado sólido de la porcelana, dándole un aspecto líquido. La porcelana como medio de expresión juega un papel importante en la obra artística de Jianhua, que ha pasado más de una década perfeccionando sus habilidades en este arte tradicional.
    'Square' Liu Jianhua’s (2014). Grandes gotas doradas en placas de metal desafían el estado sólido de la porcelana, dándole un aspecto líquido. La porcelana como medio de expresión juega un papel importante en la obra artística de Jianhua, que ha pasado más de una década perfeccionando sus habilidades en este arte tradicional.
  • 'Video of a performance; and images, pastel on photograph' Nicolás García Uriburu 1937 - 2016. Durante la Bienal de Venecia de 1968, sin una invitación oficial, García Uriburu tiñó de verde, con un producto no tóxico, el agua del Gran Canal de Venecia para crear conciencia sobre la contaminación y el desequilibrio ecológico en todo el mundo. Después teñiría el East River, el Sena y el Río de la Plata, y capturaría esas intervenciones en una serie de fotos.
    'Video of a performance; and images, pastel on photograph' Nicolás García Uriburu 1937 - 2016. Durante la Bienal de Venecia de 1968, sin una invitación oficial, García Uriburu tiñó de verde, con un producto no tóxico, el agua del Gran Canal de Venecia para crear conciencia sobre la contaminación y el desequilibrio ecológico en todo el mundo. Después teñiría el East River, el Sena y el Río de la Plata, y capturaría esas intervenciones en una serie de fotos.
  • 'Collection de Chaussures' Michel Blazy (2016-17). A lo largo de su carrera, Blazy ha trabajado con medios orgánicos, integrando la botánica con objetos ordinarios y cotidianos. En esta obra expone una pared iluminada de zapatos usados como macetas en los que crecen plantas hasta formar un jardín vertical. Los visitantes de la exposición pueden experimentar y observar el ciclo de la vida y su descomposición. En otras obras, Blazy ha plantado zonas verdes utilizando computadores, impresoras y cámaras.
    'Collection de Chaussures' Michel Blazy (2016-17). A lo largo de su carrera, Blazy ha trabajado con medios orgánicos, integrando la botánica con objetos ordinarios y cotidianos. En esta obra expone una pared iluminada de zapatos usados como macetas en los que crecen plantas hasta formar un jardín vertical. Los visitantes de la exposición pueden experimentar y observar el ciclo de la vida y su descomposición. En otras obras, Blazy ha plantado zonas verdes utilizando computadores, impresoras y cámaras.
  • 'Future Fossil Spaces' Julian Charrière (2017). Una escultura hecha de bloques de sal, elementos de yeso y cuencas esmaltadas, llena de una solución salina de litio, hace referencia a materiales provenientes del triángulo de litio de América del Sur (Argentina, Bolivia y Chile), donde el pasado y presente geológico chocan en el tiempo. La sal, allí desde hace cientos de millones de años, se extraía con el fin de producir baterías recargables para nuestro mundo digital.
    'Future Fossil Spaces' Julian Charrière (2017). Una escultura hecha de bloques de sal, elementos de yeso y cuencas esmaltadas, llena de una solución salina de litio, hace referencia a materiales provenientes del triángulo de litio de América del Sur (Argentina, Bolivia y Chile), donde el pasado y presente geológico chocan en el tiempo. La sal, allí desde hace cientos de millones de años, se extraía con el fin de producir baterías recargables para nuestro mundo digital.
  • 'IE: The Play Have A House' The Play (2017). The Play es un grupo japonés que desde 1967 cuenta con más de cien miembros. Sus instalaciones continúan reinventando metodologías de acción colectiva, donde prevalece el presente de la obra, que se desarrolla sin saber como será el desenlace. Esta vez, los miembros del grupo quisieron mostrar las dinámicas y experiencias que vivieron durante cinco días en una casa flotante, embarcándose en un trayecto desde Kyoto hasta Osaka.
    'IE: The Play Have A House' The Play (2017). The Play es un grupo japonés que desde 1967 cuenta con más de cien miembros. Sus instalaciones continúan reinventando metodologías de acción colectiva, donde prevalece el presente de la obra, que se desarrolla sin saber como será el desenlace. Esta vez, los miembros del grupo quisieron mostrar las dinámicas y experiencias que vivieron durante cinco días en una casa flotante, embarcándose en un trayecto desde Kyoto hasta Osaka.
  • 'Pars pro Toto' Alicja Kwade (2017). Afuera de los antiguos edificios del Arsenale, una instalación se ha vuelto irresistible para los visitantes de la bienal. Esferas monumentales de piedra pulida, de dimensiones variables y diferentes colores, se asemejan a un grupo de planetas dispuestos como si fueran bolas de billar. Incluye sonidos suaves, a veces dramáticos, que parecen provenir de la constelación de piedra.
    'Pars pro Toto' Alicja Kwade (2017). Afuera de los antiguos edificios del Arsenale, una instalación se ha vuelto irresistible para los visitantes de la bienal. Esferas monumentales de piedra pulida, de dimensiones variables y diferentes colores, se asemejan a un grupo de planetas dispuestos como si fueran bolas de billar. Incluye sonidos suaves, a veces dramáticos, que parecen provenir de la constelación de piedra.
  • 'Support' Lorenzo Quinn (2017). Dos colosales manos emergen del Gran Canal. Utilizan la pared del Hotel Ca'Sagredo como un sistema de apoyo, aunque parecería que al mismo tiempo la sostienen. La obra sirve como un recordatorio visual del aumento del nivel del mar provocado por el cambio climático. Las manos fueron fabricadas fuera de la ciudad, tuvieron que ser cargadas en un barco, y cuidadosamente instaladas. "Yo quería esculpir lo que se considera la parte más difícil del cuerpo humano. Además la mano tiene mucho poder: el poder de amar, odiar, crear, destruir ", afirmó Quinn.
    'Support' Lorenzo Quinn (2017). Dos colosales manos emergen del Gran Canal. Utilizan la pared del Hotel Ca'Sagredo como un sistema de apoyo, aunque parecería que al mismo tiempo la sostienen. La obra sirve como un recordatorio visual del aumento del nivel del mar provocado por el cambio climático. Las manos fueron fabricadas fuera de la ciudad, tuvieron que ser cargadas en un barco, y cuidadosamente instaladas. "Yo quería esculpir lo que se considera la parte más difícil del cuerpo humano. Además la mano tiene mucho poder: el poder de amar, odiar, crear, destruir ", afirmó Quinn.

| 2017/08/03

'Viva Arte Viva': la edición 57 de la Bienal de Venecia

por Vanessa Cervini

2017/08/03

Por Vanessa Cervini

La Bienal de Venecia ha sido durante más de 120 años una de los eventos culturales más prestigiosas del mundo desde su fundación, en 1895. El tema de esta edición, "Viva Arte Viva", es una celebración del arte. La curaduría es de Christine Macel, quien la definió como una bienal diseñada con los artistas, por los artistas y para los artistas: "El papel, la voz y la responsabilidad de los artistas son más cruciales que nunca en el marco de los debates contemporáneos".

Hay quienes dicen que esta edición de la muestra se quedó corta, a pesar de la experiencia de Macel como curadora del Centro Pompidou desde el año 2000, donde fundó el departamento de arte contemporáneo del museo. Sin embargo, la bienal hoy tiene una asistencia de más de 500.000 visitantes.

Este año, la exposición principal se desarrolla en nueve pabellones, en dos locaciones, Giardini y Arsenale, e incluye los trabajos de 120 artistas invitados, de los cuales 103 están participando en el evento por primera vez.

A pesar de la evidente intención de categorizar las obras en espacios como "Pabellón de la tierra" o "Pabellón de los colores", la curaduría parece querer simular un álbum de variedades que revela sus contenidos, sin conexiones evidentes entre sí, sobre paredes blancas. Esta es la mayor crítica a la muestra: la duda sobre si la curadora consideró y aprovechó la singularidad de las locaciones (Arsenale, por ejemplo, es un impresionante complejo naval del siglo XII) o más bien creó una serie de secciones sueltas, a veces interrumpidas, en las que las piezas no dialogan.

Aun así, las obras son por sí mismas una experiencia. El arte contemporáneo se revela aquí como mecanismo de supervivencia. Varias de las obras son una pequeña epifanía para escudarse de un mundo que se vuelve cada vez más amenazador. Esta bienal se apoya en el lado reconfortante del arte, y en términos de técnica se aleja de la pintura para acercarse a medios de expresión multidimensionales, con instalaciones de gran escala.

Además de la exhibición principal, los visitantes pueden asistir a 86 pabellones internacionales, y 23 eventos colaterales y proyectos especiales, incluyendo el Pabellón dedicado a las artes aplicadas, gestionado con el Victoria & Albert Museum de Londres, que refleja la intención de los organizadores de este año: acercar el arte al público, “destacando el  importante papel que desempeña en la invención de universos e inyectando vitalidad en el mundo en que vivimos", como dijo Paolo Baratta, presidente de la bienal.

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