Laura Aguilar, 'Grounded # 111', de la serie 'Grounded', 2006. Laura Aguilar, 'Grounded # 111', de la serie 'Grounded', 2006.

“La fotografía hoy ya no habla de sí misma, sino de un mundo en crisis”

Una entrevista con la investigadora y curadora colombiana María Wills, curadora de MOMENTA 2019, la Bienal de la imagen de Canadá, que se inauguró el pasado 5 de septiembre en Montreal.

2019/09/06

Por Jacques Doyon / Ciel variable

Las principales áreas de especialización de la investigadora y curadora María Wills Londoño son la naturaleza inestable de la imagen contemporánea y los puntos de vista innovadores del desarrollo urbano en América Latina. Sus proyectos han sido exhibidos en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, la Fundación Cartier Pour l‘Art Contemporain en París, el Círculo de Bellas Artes de Madrid (PHotoESPAÑA), el Centro de la Imagen en Ciudad de México y el Museo de Arte del Banco de la República en Bogotá, donde también fue responsable de las exposiciones temporales de 2009 a 2014. Fue curadora de las exposiciones Pulsions urbaines (en los Rencontres d‘Arles, en 2017) y Oscar Muñoz. Fotografías (Jeu de Paume en París y el Museo de Arte Latinoamericano en Buenos Aires, de 2011 a 2013), y fue codirectora artística de ARCO Colombia 2015.

En 2018, Wills desarrolló un proyecto de investigación y exhibición, El arte de la desobediencia, una recontextualización de la colección del Museo de Arte Moderno en Bogotá (Mambo). Fundó y fue directora hasta 2018 del programa Visionarios del espacio Instituto de Visión, en Bogotá, con la misión de resaltar las figuras esenciales del arte conceptual colombiano. Wills es, además, miembro del consejo editorial de ARCADIA y principal asesora de la nueva sección de Fotografía de nuestra revista impresa, que busca promover la obra fotográfica de artistas emergentes y disidentes.

Junto a otros cuatro candidatos, en 2017 Wills presentó una propuesta curatorial para curar Momenta, la Bienal de la imagen de Montreal, que explora la imagen contemporánea y los lenguajes fotográficos y videográficos. En marzo de 2018, Momenta dio a conocer que sería justamente Wills quien curaría la versión 16 de la Bienal en 2019. Y ayer finalmente se inauguró el evento.

La curaduría, titulada La vida de las cosas, está enfocada en las relaciones de la sociedad contemporánea con los objetos. Con la obra de unos treinta artistas, busca ofrecer varias maneras de concebir los objetos. Una mirada está relacionada con los excesos, con la era del consumo; otra, por ende, con la naturaleza muerta (haciendo eco en ello aquella tradición pictórica); también está la mirada de los objetos preciosos o rituales de ciertas culturas o de los contextos íntimos; la exotización de los objetos en contraste con el desecho constante; y la idea del cuerpo mismo –sobre todo el femenino– como objeto.

La muestra estará acompañada de una publicación que no es simplemente un catálogo, sino un libro con que Wills plantea expandir la mirada de lo visual y artístico a lo filosófico y científico.

Jacques Doyon, editor de Ciel variable, habló con ella en Montreal justo antes de la inauguración de la bienal.

Gauri Gill, Untitled #27, de la serie Acts of Appearance, 2015 - hoy

Usted es investigadora y curadora de exposiciones de arte contemporáneo. Ha desarrollado un interés específico en las imágenes fotográficas y en el arte latinoamericano, y ha organizado una gran cantidad de proyectos de exhibición producidos en colaboración con instituciones claves de Europa y América del Norte, así como en Colombia, donde vive. Pero parecería que también está bastante familiarizada con la escena de Montreal. ¿Podría dar una visión general de su carrera y sus inquietudes actuales, y discutir cómo se han alimentado en esta edición de MOMENTA 2019?

Independientemente de las preguntas regionales, creo que mi experiencia profesional me ha dado una amplia comprensión de los procesos artísticos. Como profesional y como espectadora, tuve la oportunidad de visitar museos y espacios dedicados a obras contemporáneas, particularmente aquellos que ofrecen una comprensión de la complejidad del arte actual más allá de los medios y formatos tradicionales. Lo que más aprecio de esta edición de MOMENTA, que curé en colaboración con la directora ejecutiva de la bienal, Audrey Genois, y su asistente ejecutiva y curatorial, Maude Johnson, es el enfoque en la comprensión de la imagen más allá de la fotografía. En el contexto del arte contemporáneo, la fotografía como medio se entiende, más bien, desde una diversidad de puntos de vista y formatos. Hoy en día es un canal para plantear preguntas no solo sobre la fotografía en sí, sino sobre el mundo, un mundo que está en una crisis de realidad y verdad.

Mi carrera y experiencia me han llevado a explorar la coexistencia de la imagen como documento y la imagen liberada de las convenciones fotográficas para que se vuelva amorfa y se convierta en video o escultura. Mi primer proyecto de curaduría, en el Museo de Arte del Banco de la República, se tituló Chambres photographiques: des espaces étendus pour la photographie (Cámaras fotográficas: espacios extendidos para fotografía). Desde entonces, he querido entender la fotografía como un campo abierto. La vida de las cosas (el título que propuse para la bienal) se inspiró en varias prácticas artísticas que vi en todo el lugar, y ciertamente en Montreal durante mi visita profesional a la edición de 2017 de la bienal. Pero también es un proyecto inspirado en el cine y la literatura; en los libros de Orhan Pamuk (El museo de la inocencia) y Georges Perec (Les Choses), que exploran las relaciones de los humanos con los objetos. Entonces, quería crear un proyecto que lidiara con las tensiones que marcan cómo nos relacionamos con las cosas que nos rodean hoy. Por un lado, adoramos y fetichizamos los objetos: creamos nuestras vidas a su alrededor y los valoramos hasta el punto de que transforman nuestras identidades. Nos convertimos en personas narradas por objetos, a través de historias sobre las vidas que llevamos. Por otro lado, paradójicamente, hemos creado una sociedad que consume y destruye: los objetos son triviales y forman parte de una circulación imperfecta de cosas que ha llevado a la crisis ambiental en que estamos sumergidos.

Elisabeth Belliveau, Still Life with Fallen Fruit (after A Breath of Life, Clarice Lispector), 2017-2019, still de video (detalle)

El tema que propone este año nos invita a interesarnos en la vida de las cosas y en cómo las representamos. Más que simplemente reflejar una realidad dada, las imágenes ayudan a dar forma a nuestra percepción de los objetos y nuestras interacciones con ellos. Y las imágenes son, en sí mismas, cosas inscritas en un mundo con su propia lógica y efectividad (incluso se habla de agencia). Es la representación de este mundo de objetos lo que propone explorar desde cuatro ángulos (cultura material, cosificación, lo absurdo y la crisis ambiental) en dos exposiciones principales y quince espectáculos complementarios. ¿Cuáles son los objetivos generales de su investigación sobre la presencia de objetos en nuestras vidas y en la sociedad contemporánea? ¿Cómo ha estructurado la ruta de exhibición y la agrupación de obras?

Me alineo con el pensamiento de James Elkins, que habla de objetos que a su vez nos miran. Los objetos que nos rodean están llenos de historias sobre cómo vivimos. Nos hablan de la rigidez de los discursos históricos en las sociedades “racionales”, en las cuales el enfoque en la objetividad borra toda subjetividad y conduce a declaraciones definitivas en lugar de narraciones plurales. En La vida de las cosas, nuestro objetivo principal es liberarnos de esos discursos, entre otras cosas, mirando críticamente la exaltación vinculada a los objetos “exóticos” y reconociendo el valor de la artesanía, el saber hacer y las tradiciones en la vida cotidiana –sin caer, ojalá, en un enfoque etnográfico–. Esperamos volver a visitar la imagen a la luz de los problemas poscoloniales para presentar, por ejemplo, el trabajo de las culturas nativas o, en el caso de América Latina, nuestras culturas indígenas. Nos interesan, entre otras cosas, las formas en que muchos artistas aprehenden el objeto sin ninguna forma de jerarquía entre lo vivo y lo no vivo. Artistas como Raphaëlle de Groot, Laura Huertas Millán y Jeneen Frei Njootli ofrecen diferentes perspectivas sobre los sistemas y las relaciones que mantenemos con las cosas.

También estoy interesada en examinar el peso psicológico del objeto, desde el punto de vista de la reificación del cuerpo humano que parece haber causado que nuestras vidas hayan perdido importancia, ya que la funcionalidad del cuerpo parece ser reemplazada por objetos. De ahí nuestro interés en la agencia, la absurda “vida” del objeto performativo o del cuerpo, que, en sus intentos de convertirse en objeto, coquetea con la locura. Para esta mirada me inspiro en el surrealismo.

Jérôme Havre, Cauleen Smith and Camille Turner, Triangle Trade, 2017, still de video (detalle)

Uno de mis puntos de partida fue abordar el objeto como algo absolutamente político, no solo como un elemento de representación. Al principio, estaba interesada en la naturaleza muerta como género artístico, porque presentar objetos en el siglo XVII de acuerdo con los códigos de esa manifestación pictórica implicaba una serie de preguntas políticas. Pero más allá de eso, para mí La vida de las cosas es un intento de comprender que nuestras acciones tienen un inmenso impacto en el medioambiente; así, el término en francés para naturaleza muerta, naturaleza morte (literalmente, naturaleza muerta), se aplica a la crisis ambiental actual.

Esas preguntas se abordan a través de los cuatro componentes temáticos que mencionó. La exposición central, en dos salas, aborda lo absurdo en relación con los problemas de la crisis ambiental y la cosificación en relación con la cultura material. Con esta fertilización cruzada, sin haberlo discutido de antemano, terminamos teniendo exhibiciones altamente efectivas.

También surgen otras preguntas que tienen un alcance decididamente más político del que podría parecer a primera vista. Estos temas están relacionados con el lugar de las mujeres en el mundo del arte (con casi un 70 % de mujeres en el programa), las culturas no occidentales y, en general, las relaciones de dominación y poder en la sociedad, tal como se expresan en el mundo de los objetos que nos rodean. ¿Cómo puede ser útil para abordar estos problemas la atención a los objetos y la forma en que los representamos? ¿Qué alternativas puede proponer el arte a las formas estructurales de dominación y poder?

Creo que ya respondí una parte de esta pregunta, así que quiero concentrarme aquí en responder a la pregunta sobre género. En la cultura a la que pertenezco, el cuerpo femenino tiene mucho peso simbólico. Por esa razón, creo que la cuestión de la objetivación, modificación o reificación del cuerpo femenino debe investigarse radicalmente y, sobre todo, relatarse con voces femeninas. Es un objetivo crucial de la bienal crear un espacio para mujeres artistas contemporáneas que aborden el tema del cuerpo; que aborden cuestiones como si revelarlo o no las hace víctimas de una sociedad de consumo o alguien que se apropia de una autonomía y un poder rebelde.

Los múltiples puntos de vista que no son occidentales –descoloniales, queer u otros– están cambiando esencialmente la forma en que entendemos las imágenes (que ha estado fuertemente vinculada a la historia occidental y patriarcal de la fotografía). Desde ese ángulo, recomiendo ver los proyectos de Alinka Echeverría, Karen Paulina Biswell y Ana Mendieta. Sin embargo, no se trata solo de ser mujer. En mi respuesta a la pregunta anterior, hablé sobre la rigidez de los discursos históricos, entre los que, sin embargo, estamos interponiendo imágenes de personas queer y no binarias. Por ejemplo, Laura Aguilar y Victoria Sin desafían los ideales femeninos y los roles preestablecidos. Creo que este tipo de propuesta es esencial para visualizar realidades que con demasiada frecuencia se consideran “otras”, excluidas de los discursos y las narraciones. La alteración siempre está profundamente arraigada en el inconsciente colectivo.

También creo que es esencial mencionar el proyecto de Jonathas de Andrade, Eu, Mestiço, que aborda críticamente la construcción de identidades raciales en Brasil basándose en un estudio de la UNESCO, y ofreciendo una reflexión sobre los peligros de reconocer las diferencias como algo rígido.

Laura Aguilar, Grounded # 111, de la serie Grounded, 2006

La cuestión de anclar la bienal en su propia comunidad también es importante. Siempre es un desafío para un curador extranjero, dada la cantidad de tiempo que lleva viajar para investigar. Parece que MOMENTA innova este año a nivel de programación al desarrollar una colaboración más estrecha entre el curador invitado, el director ejecutivo y el asistente ejecutivo y curatorial. ¿Puede hablar sobre cómo se mejoró el programa con la composición de este trío de profesionales?

El tema “La vida de las cosas” es una idea que desarrollé después de mi visita a MOMENTA 2017 y mi descubrimiento de la escena artística canadiense. Estaba buscando un tema que fuera inspirador y poético, y al mismo tiempo abarcara los problemas sociales que quería abordar. La colaboración fue una forma de aunar nuestras investigaciones y descubrimientos artísticos. Debido a que el trabajo de un curador independiente a veces puede ser bastante solitario, el intercambio de ideas enriqueció mi enfoque curatorial y lo basó firmemente en las preocupaciones actuales de los círculos canadienses de arte contemporáneo. Audrey y Maude están muy familiarizados con esta escena artística, y me presentaron la riqueza de las prácticas artísticas en Canadá. Queríamos, para esta edición, ofrecer proyectos de salas de exposiciones que fueran relevantes y específicos para sus respectivos mandatos. Por ejemplo, Celia Perrin Sidarous trabajará de las colecciones de artes decorativas y textiles en el Museo McCord, y Alinka Echeverría presentará un corpus de obras en el Museo de Bellas Artes de Montreal en el que explora la representación del cuerpo femenino en la fotografía temprana. Bajo el tema "La vida de las cosas", pensé que sería interesante pensar en la vida de los objetos una vez ingresan al museo. Incluso si se sacan de su contexto original, aún soportan el peso de la historia, de sus historias. El aspecto fantasmal y embrujado de los objetos, relacionado con cuestiones de manipulación y huellas, me interesa mucho. No hay duda de que esta atención a la coincidencia entre lugar y artistas contribuirá a la fortaleza de los proyectos presentados.

Jonathas de Andrade, O Peixe, 2016, still de video (detalle)

Celia Perrin Sidarous, Xenophoridae, 2019

Anouk Kruithof, Folly, 2017
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