El director mexicano Jesús Garcés Lambert (izquierda). Acercamiento de 'Judit y Holofernes', de Caravaggio (derecha). Imágenes: Cortesía Cine Colombia. El director mexicano Jesús Garcés Lambert (izquierda). Acercamiento de 'Judit y Holofernes', de Caravaggio (derecha). Imágenes: Cortesía Cine Colombia.

“La oscuridad de Caravaggio no es una oscuridad vacía”: Jesús Garcés

Entrevistamos al director del documental ‘Caravaggio. El maestro del claroscuro se revela’, que ganó el Globo de Oro a Mejor Documental de la Asociación de la Prensa Extranjera en Italia. Este sábado 23 de junio será su última proyección en Colombia.

2018/06/21

Por RevistaArcadia.com

El documental Caravaggio. El maestro del claroscuro se revela es un viaje en movimiento a través de la vida, la obra y la existencia atormentada de Miguel Ángel Merisi da Caravaggio, una de las figuras más misteriosas de la historia del arte. A través de 40 piezas suyas, se dibuja la hoja de ruta de un viaje por Milán, Florencia, Roma, Nápoles y Malta diseñado para desentrañar el corazón del maestro del claroscuro. La exhaustiva investigación, acompañada de comentarios de expertos como los historiadores del arte Claudio Strinati, Mina Gregori y Rossella Vodret, va explorando sus obras maestras en contrapunto con sus experiencias personales: esas de una vida que, también, estuvo anclada entre la luz y la sombra, entre contrastes y contradicciones.

Este 23 de junio se proyectará la última función en salas selectas de Bogotá, Medellín y Cali. Hablamos con el mexicano Jesús Garcés Lambert, director del largometraje, que recientemente ganó el Globo de Oro a Mejor Documental de la Asociación de la Prensa Extranjera en Italia.

Mucho se habla de Caravaggio y su excepcional idea del claroscuro. ¿Qué nuevas luces te dio a ti grabar este documental sobre esa noción de claroscuro y su importancia en la historia de la pintura?

Antes de empezar a hacer este documental, la primera cosa que me venía a la mente cuando pensaba en Caravaggio era la luz y el uso de la oscuridad. Al entrar en su historia te das cuenta de la evolución que tuvo y la verdadera revolución que hizo en la pintura. Hasta ese momento los pintores no pintaban con modelos, sino que se inspiraban en un ideal espiritual del ser humano. Caravaggio rompió con esto y empezó a pintar con modelos sin hacer diseños preparatorios: lo hacía directamente sobre la tela y esta tenía una evolución.

Al principio, la base de sus pinturas era roja, pero después de su trabajo en la Capilla Contarelli (estamos hablando de 1600) empezó a ser negra. Lo primero que hacía era pintarlo todo de negro, para que lo único que existiera en sus pinturas fueran las cosas donde llegaba la luz. Esto es un detalle fundamental, porque dejó de ser una cuestión pictórica de técnica y empezó a volverse espiritual: lo único que existe es lo que te da la luz.

La oscuridad de Caravaggio no es una oscuridad vacía, sino es una oscuridad llena de objetos, de valor. Esta fue una de las cosas más importantes que les dejó a sus sucesores, de allí nacen todos los tenebristas españoles, latinoamericanos y franceses. Hasta artistas como Goya se inspiran en esto. El claroscuro casi una rendición, como si a través de la oscuridad existiera un proceso que te lleva la luz y la luz es la única que hace que existan las cosas. Es un concepto muy importante.

Esta idea de la luz y la sombra atraviesa no solo obra de Caravaggio, sino la forma como se ha contado su biografía. ¿Cómo fue el proceso para llegar a ese énfasis particular con el que se narra al pintor en el documental?

Yo diría más bien que la historia de Caravaggio está llena de oscuridad de cosas ocultas, que no sabemos, que no llegaron hasta nuestros días porque él estuvo en constante movimiento. Una buena parte de su vida se la pasó escapando; escapando no tenía a su lado a ningún biógrafo, a nadie contemporáneo que escribiera sobre su vida. El único de su época que escribió sobre él fue Giovanni Baglione, que era su enemigo. ¿Qué puede decir  una persona que odia a Caravaggio? Claramente solo la parte oscura de su vida.

Por eso, para hacer un documental como el que hicimos nosotros, tuvimos un método de trabajo que es clásico de los largometrajes sobre arte: partimos de los documentos originales para poder contar al personaje. No nos inventamos nada, no decimos nada que no podemos comprobar con documentos. Haciendo la investigación, mi primera emoción fue la sorpresa. Hay muy pocos que hablan sobre la vida de Caravaggio, entonces tuvimos que ir a buscar los documentos en los archivos de la Iglesia y de los lugares donde vivió. Casi todos son de procesos legales, de tribunales, de la policía, cuentan dónde estaba y qué estaba haciendo, nos hablan de su carácter.

 Por ejemplo, hay un documento muy interesante donde citan al asistente de un peluquero, que da testimonio de una agresión que tuvo con una persona en la calle. Él dice que fue Caravaggio y lo describe físicamente. Esa es la única descripción verdadera que tenemos de cómo se veía. Es interesante ver cómo a través de documentos legales nosotros podemos contar al personaje. Gracias a eso hicimos una línea temporal y narrativa que nos hizo descubrirlo mejor.

Jesús Garcés Lambert en el rodaje de ‘Caravaggio. El maestro del claroscuro se revela‘. Foto: Cortesía Cine Colombia

¿Qué fue lo más difícil de retratar en formato audiovisual la vida y obra de un artista como Caravaggio, quizá uno de los pintores más estudiados de la historia del arte?

La responsabilidad es muchísima cuando haces una película sobre uno de los monstruos sagrados de la pintura. Crear una experiencia cinematográfica es todavía más difícil, porque debes decidir cuáles son los detalles de cada cuadro que vas a mostrar, cómo vas a explicar una técnica o hacer resaltar de fragmentos de los cuadros. Esa fue una de las cosas más difíciles: decidir hacia dónde llevar al espectador, porque no puedes simplemente exhibir el cuadro en su totalidad, eso lo puedes ver en cualquier revista.

Parte de este trabajo lo hice junto con el profesor Strinati, que es uno de los máximos expertos de Caravaggio. Con cada cuadro nos sentamos, decidimos cuál era el concepto importante e histórico para luego decidir qué mostrar. Decidí tratar de transmitir al espectador lo que yo siento en frente un cuadro de Caravaggio: esa potencia de la luz que viene fuera de la oscuridad, esos detalles que no logras ver al ojo. Porque si vas a un museo o una iglesia no puedes ver el detalle más cercano de esa pintura: la uña con un punto de luz.

¿Cuál de las obras de Caravaggio de las que se compone el documental te impactó más intensamente durante la realización y por qué?

Para mí, Caravaggio es uno de los artistas más importantes en mi vida. Es como si fuera una playlist, cada etapa de mi vida ha estado relacionada a un cuadro diferente. En la realización de la película, el momento en el que entré en la Concatedral de Malta, cerrada solo para mí, y ver La decapitación de San Juan Bautista fue una de las experiencias místicas más grandes de mi vida. Llegar allí, a una iglesia vacía, enfrentarte a este cuadro gigantesco y tener la posibilidad de estar en silencio, solo, analizarlo y gozar de él fue una de las experiencias más bonitas de toda la película.

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El fuerte realismo de las figuras, en especial cuando se trataba de obras religiosas, causó polémica porque con frecuencia elegía a sus modelos entre prostitutas, niños de la calle y mendigos. ¿Cuáles fueron las transgresiones que más incomodaron a las autoridades religiosas de su época?

La primera obra pública que hizo Caravaggio causó un ruido increíble: fue en la Iglesia San Luigi dei Francesi, en la Capilla Contarelli. Nosotros estamos hablando de un periodo que es la Contrarreforma, donde la Iglesia quería dar una imagen de sí misma como espiritual y divina. Ahí irrumpe un pintor como Caravaggio y nos presenta, por ejemplo, a San Mateo en una hostería sórdida contando dinero y jugando a las cartas o a un Cristo en la oscuridad vestido con ropa sucia.

Esos eran sus santos, algo que nunca se había visto en la historia de la pintura: modelos reales, las prostitutas, los ladrones, los borrachos, los niños de la calle. La Roma real fue la que pintó en sus cuadros y eso le generó muchísimos problemas. Algunos de los cuadros que le comisionó la Iglesia le fueron rechazados, como La muerte de la Virgen. Allí se atrevió a pintar una prostituta ahogada en el río Tíber con la panza llena de agu: tú la ves ahí y ves una Virgen carnal muerta. Esa es la primera vez en la historia de la pintura religiosa que no se ve la Virgen que resucita. En esa época las prostitutas en Roma tenían que usar un manto amarillo para ser reconocidas por todos los demás, y Caravaggio les agregaba ese manto amarillo a todas sus Vírgenes porque para él la Virgen es mujer, es sexo, es divinidad.

¿Y qué resonancia piensas que puede tener su arte en un contexto político como el del mundo de hoy? ¿Qué deberían aprender los cineastas actuales de él?

Un artista como Caravaggio te pone frente a una responsabilidad estética y social, moral, en la que te mete frente a los que más necesitan, a esos que nadie quiere ver. Te los presenta no como si fueran monstruos, sino como seres humanos, con pasión, con dolor, con esperanza, con espiritualidad. Te los hace ver de frente para que te reconozcas y te haga pensar, voltearte hasta abajo, tratar de aprender quién eres, quiénes son.

En este momento histórico, donde algunos grupos políticos están atacando la multiculturalidad, la inmigración, donde se tiene miedo a todo lo que es extranjero, donde hay tanta violencia, nosotros como cineastas, directores, artistas, tenemos una gran responsabilidad. Tendremos que aprender de Caravaggio sus actos de valor: poner en un altar de una iglesia a gente pobre, rota y sucia es como si nosotros hiciéramos una película espiritual haciendo ver a los políticos que la gente que necesita ayuda también se merece estar allí, que sus historias se cuenten, que no sean vistos como si fueran monstruos sino como seres humanos.

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